A História do Cinema: Uma Odisseia
EPISÓDIO 1 - INTRODUÇÃO
A arte que se parece muito com nossos sonhos é uma indústria global multibilionária a qual não visa à bilheteria nem o show biz. O que a motiva para crescer de forma incessante é a paixão e a inovação. Veremos como em vários cantos do mundo a inovação feita por diversos diretores em tempos distintos foi essencial para sua evolução. Um conto épico sobre inovação, que atravessa 12 décadas e 6 continentes.
Em uma breve introdução, o documentário expõe, com algumas cenas de filmes, como o cinema nos envolve de forma extrassensorial.
Em O Resgate do Soldado Ryan (1998), a cena inicial do filme foi filmada numa praia pacífica na Irlanda. Mas o diretor Steven Spielberg levou balas, sangue e bombas até lá. Uma mentira para contar uma verdade. A câmera abaixo e acima da água, tremulante, mostrando corpos sendo baleados e carregados pelas ondas, é a arte de fazer com que nós nos sintamos lá. Isto é cinema.
Em A Liberdade é Azul (1993), dirigido por Krzysztof Kieslowski, uma jovem está de olhos fechados em Paris para sentir o calor do sol no rosto. Ao mesmo tempo, sem que ela veja, um drama acontece, uma velhinha esforçadamente tenta guardar uma garrafa de vidro em um depósito. Uma luz branca enche a tela e liga a jovem à senhora, queremos entrar no filme e ajudá-la. Filmes como este são máquinas de empatia. Isto é cinema.
Cenas como a da praia da Normandia e a velhinha mostram que em termos de usar som, luz e verdade – no sentido em que a realidade está ocorrendo – o cinema pode ser ótimo. A história do cinema é a história disso. Uma história cheia de surpresas.
Vocês podem ter achado que o programa (o documentário) se referia a filmes clássicos como Casablanca (1942), em que mostram cenas cheias de anseios, história de amor e fama, closes de Ingrid Bergman e Humphrey Bogart. Não, aqui, somos apresentados a filmes clássicos não hollywoodianos, como filmes japoneses que não tinham pressa em demonstrar cenas românticas, os quais se aproveitavam de objetos imóveis para demonstrar a realidade da cena, onde a própria cena sem personagens famosos poderia trazer algum tipo de emoção ao telespectador. Hollywood não era clássica. O Japão é que era.
Com todo o papo de bilheteria, dinheiro pra cá e dinheiro pra lá, marketing, glamour, pré-estreias e tapetes vermelhos, a indústria quer que acreditemos que o dinheiro é o que motiva o cinema. Os executivos estão enganados – talvez parte do público esteja sendo enganado –, eles não conhecem os segredos do coração, nem o brilhantismo do meio cinematográfico. Então, o que motiva o cinema senão o dinheiro? A resposta para essa pergunta: ideias.
Julio Cabrera nos ensina que o cinema busca que o telespectador tenha uma experiência instauradora e plena, para ser possível produzir um impacto emocional em que, ao mesmo tempo, diga algo a respeito do mundo, do ser humano, da natureza e que tenha um valor cognitivo, persuasivo e argumentativo através de seu componente emocional para alguém.
Por fim, tentando ser mais direto, cinema não está interessado somente em passar uma informação objetiva nem em provocar uma pura explosão afetiva por ela mesma. Utilizando as palavras de Cabrera, no cinema “não é suficiente entendê-lo: também é preciso vivê-lo, senti-lo na pele, dramatizá-lo, sofrê-lo, padecê-lo, sentir-se ameaçado por ele, sentir que nossas bases habituais de sustentação são afetadas radicalmente”.
E é assim que o documentário vem expor por meio da demonstração de gênios do cinema como uma ideia se torna arte. Vejamos como um plano de bolhas se torna uma ideia no cinema.
Em Odd Man Out (1947), da diretora britânica Carol Reed, o homem está encrencado. Ele vê seus problemas refletidos em bolhas da bebida que derrubou.
Em 2 or 3 Things I Know About Her (1967), do diretor francês Jean Luc Godard, outro close de bolhas é feita. O Personagem também está com problemas e influenciado por Carol Reed, Godard, 20 anos depois, filmou o mesmo em seu filme.
Já em Taxi Driver (1976), do diretor Martin Scorsese, grande apreciador de Carol Reed e do cinema de Godard, filma Travis (Robert Deniro), um ex-fuzileiro da guerra do Vietnã, encarando seus problemas.
Vimos, portanto, como uma ideia é repercutida por vários anos e por vários diretores renomados. Essa forma de linguagem cinematográfica é o que faz também com que o cinema cresça com o passar dos anos. Ideias visuais, mais que dinheiro e marketing, motivam o cinema. Nem sempre essas ideias parecem inovações, mas, sentados no escuro, são imagens e ideias que nos empolgam.
Em Operação França (1971), do diretor William Friedkin, uma câmera voando feito uma bala, pneus cantando enquanto um carro persegue um trem, seriam as características que seriam visíveis e perceptíveis ao telespectador. No entanto, a magia do cinema transcende.
Uma técnica cinematográfica conhecida como Phantom Ride, está exposta nesta cena. Pode se dizer que George Albert Smith, foi um dos pioneiros dessa técnica, usando em seu filme A Kiss in the Tunel (1899). Tal técnica será explorada mais a frente com outros exemplos e mais detalhes.
Muito do que supomos sobre o cinema está errado. É hora de redesenhar o mapa da história do cinema que temos em mente. É hora de conhecermos profundamente tudo aquilo que concerne o mundo cinematográfico, sem achismos, com argumentos técnicos que serão sempre bem vindos em uma discussão sobre cinema.
por Renan Matos
